Mode und Homosexualität

Während des 20. Jahrhunderts wurde Kleidung von Lesben und Schwulen als Mittel verwendet, um ihre eigene Identität auszudrücken und sich gegenseitig zu signalisieren.

Cross-Dressing für Männer

Schon vor dem 20. Jahrhundert wurden Transvestismus und Cross-Dressing unter Männern mit dem Akt der Sodomie in Verbindung gebracht. Bis zum 18. Jahrhundert hatten viele Städte in Europa kleine, aber geheime homosexuelle Subkulturen entwickelt. Londons homosexuelle Subkultur basierte auf Gasthäusern und Wirtshäusern, in denen sich 'Mollys' versammelten. Viele der Mollies trugen Frauenkleidung sowohl als Form der Selbstidentifikation als auch als Mittel, um Sexualpartner anzuziehen. Sie trugen Kleider, Unterröcke, Kopftücher, feine Schnürschuhe, Pelzschals und Masken; [und] einige hatten Reithauben; einige waren wie Milchmädchen gekleidet, andere wie Hirteninnen mit grünen Hüten, Westen und Unterröcken; und andere hatten ihre Gesichter geflickt und bemalt (Trumbach, S. 138).

• George (Beau) Brummell
• Mode und Identität
• Marcel Proust

Männliche Homosexuelle trugen während des gesamten 19. Jahrhunderts sowohl in öffentlichen als auch in privaten Räumen Cross-Dress. In den 1920er Jahren boten die Harlem-Drag-Bälle Schwulen (und Lesben) einen sicheren Ort zum Cross-Dress. Ebenso boten die Arts Balls der 1950er Jahre in London eine im Alltag verwehrte Gelegenheit. Cross-Dressing-Darsteller, allgemein bekannt als Drag Queens, benutzten Frauenkleidung, um die heterosexuelle Gesellschaft zu parodieren und einen schwulen Humor zu schaffen. Einer der größten amerikanischen Drag-Darsteller war Charles Pierce, der seine Karriere in den 1950er Jahren begann und vor allem für seine Nachahmungen von Filmstars wie Bette Davis und Joan Crawford bekannt war. Die Tradition wurde von schwulen Drag-Darstellern wie den amerikanischen Darstellern Divine und RuPaul und dem britischen Fernsehstar Lily Savage weitergeführt.

Weichlichkeit

Der nackte Beamte

Offene schwule Männer, die nicht so weit gehen wollten, sich zu verkleiden, nahmen manchmal die offensichtlichsten Zeichen weiblicher Manierismen und Kleidung an: gezupfte Augenbrauen, Rouge, Augen-Make-up, peroxidblondes Haar, hochhackige Damenschuhblusen. In Amerika war es Männern (und Frauen) verboten, Crossdress zu tragen, es sei denn, sie besuchten eine Maskerade. Mindestens drei Kleidungsstücke mussten dem Geschlecht angemessen sein. Eine solche Erscheinung anzunehmen war gefährlich, denn es war riskant, offen homosexuell zu sein. In seiner Autobiographie, Der nackte Beamte (1968) erinnert sich Quentin Crisp, dass er wegen seines weiblichen Aussehens mehrmals von der Polizei angehalten wurde. Die Risiken haben sich jedoch für viele gelohnt. Sich als flammende Königin zu verkleiden, war ein Mittel, um in die Subkultur der Schwulengesellschaft einzutreten. Außerdem könnten Königinnen durch die Übernahme weiblicher Merkmale und durch die Einhaltung strenger geschlechtsspezifischer Regeln des Sexualverhaltens angeblich normale heterosexuelle Sexualpartner anziehen. Die Annahme weiblicher Kleiderordnungen begann mit dem Aufkommen der Schwulenbefreiung nachzulassen, spielt aber weiterhin eine Rolle im schwulen Leben.

Männlichkeit und lesbisches Kleid

Im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert war die Annahme männlicher Kleidung für viele Frauen, darunter viele Lesben, ein Mittel, um gegen den Status der Frau und die ihnen in patriarchalen Gesellschaften zugewiesenen Rollen zu protestieren. Cross-Dressing wurde und wurde von Frauen verwendet, um ihnen zu ermöglichen, als Männer durchzugehen und akzeptiert zu werden. Einige, wie der Schriftsteller George Sand und die Malerin Rosa Bonheur, nutzten die Methoden, um ihre professionelle Arbeit ernst zu nehmen. In der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen nahm die Sichtbarkeit von Lesben zu. Das typische maskulinisierte lesbische Kleid dieser Zeit wird durch den Flügelkragen, das Monokel und die Herrenjacke von Lady Una Troubridge (Liebhaberin von Radclyffe Hall, Autorin von Der Brunnen der Einsamkeit ) in ihrem Porträt von Romain Brooks. In Amerika trugen lesbische Darstellerinnen wie Ma Rainey und Gladys Bentley Männer-Zylinder und Frack, um ihre Identität auszudrücken, während die bisexuellen Filmstars Greta Garbo und Marlene Dietrich sowohl auf als auch außerhalb des Bildschirms maskuline Kleidung trugen.

Bis in die 1970er Jahre war das Bild von Lesben in der Öffentlichkeit stark auf Männlichkeit ausgerichtet. Um Unterschiede zu unterstreichen und anderen Lesben zu signalisieren, haben viele frauenliebende Frauen bestimmte männliche Markierungen wie Kragen und Krawatte oder Hosen angenommen. In Amerika war es für Frauen illegal, sich vollständig in Männerkleidung zu kleiden, und sie mussten drei Kleidungsstücke für Frauen tragen (Nestle, S. 100). Die öffentliche Reaktion war nicht mitfühlend, wenn Lesben abgeschlachtet wurden. Die amerikanische lesbische Autorin und Aktivistin Joan Nestle ging durch die Straßen und sah so dreckig aus, dass heterosexuelle Teenager sie als Bulldyke bezeichneten (Nestle, S. 100).

Nicht alle lesbischen Frauen fühlten sich von männlicher Kleidung angezogen und bevorzugten stattdessen konventionellere weibliche Kleidung: Make-up, hochhackige Schuhe und Röcke. Viele Berichte über das lesbische Barleben weisen auf die Prävalenz von Butch- und Femme-Identitäten und -Verhalten hin, wobei von Butch-Lesben erwartet wurde, dass sie nur Beziehungen zu Femme-Lesben eingehen, und von Lesben wurde erwartet, dass sie sich mit der einen oder anderen Rolle identifizieren.

Subtile Signifikanten

Die Illegalität der Homosexualität und die moralische Missbilligung, dass sie Schwule und Lesben anzog, zwangen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ein praktisch unsichtbares Leben. Bis zur Schwulenbefreiungsbewegung der späten 1960er Jahre war für die Masse der Schwulen und Lesben das wichtigste Kriterium, sich in der Öffentlichkeit zu kleiden, als heterosexuell durchgehen zu können. Trotz dieses Bedarfs waren sich viele der Kleidervorschriften und Gegenstände bewusst, die verwendet werden konnten, um sexuelle Orientierung zu signalisieren. Diese Identitätssymbole haben oft die Form einer bestimmten Art oder Farbe von Accessoires und haben sich wie andere geheime Symbole im Laufe der Zeit entwickelt und verändert. Der wichtigste Signifikant zur Zeit der Oscar-Wilde-Prozesse in den 1890er Jahren war die grüne Nelke. Tatsächlich wurde die Farbe Grün mit den weibischen und manchmal sodomitischen Makkaroni der 1770er Jahre in Verbindung gebracht und hatte in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts weiterhin schwule Assoziationen in der Kleidung. George Chauncey stellt fest, dass im New York der 1930er Jahre grüne Anzüge das Abzeichen der offenen 'Stiefmütterchen' waren. Andere Signifikanten für schwule Männer waren eine rote Krawatte (die vor dem Zweiten Weltkrieg in New York City getragen wurde) und Wildlederschuhe (eine der internationalsten und beständigsten schwulen Signifikanten). Zu den lesbischen Signifikanten gehörten Accessoires wie Krawatten und Manschettenknöpfe, Kurzhaarschnitte (insbesondere die Eton-Crop der 1920er Jahre) und die Farbe Violett.

Herrenmode-Revolution

Während der Menswear-Revolution der 1960er Jahre begann die Assoziation von Mode und Homosexualität zu verschwinden. Mit dem Aufkommen subkultureller Moden und der weltweiten Verbreitung der Carnaby Street-Mode war es für junge Männer plötzlich akzeptabel, sich für Mode zu interessieren und Zeit und Geld für Kleidung und Aussehen zu investieren. Die Mode aus der Carnaby Street wurde ursprünglich von einem ehemaligen Körperfotografen namens Vince aus einem Geschäft in der Nähe der Carnaby Street an eine schwule 'Theater- und Künstler'-Kundschaft verkauft. John Stephen, der später als König der Carnaby Street bekannt wurde, hatte in Vinces Laden gearbeitet und die Kleidung schneller, billiger und für einen jüngeren Markt produziert. Auch in Amerika ein eng anliegender europäischer Stil. hauptsächlich von schwulen Männern getragen, wurde in 'Boutiques' in Greenwich Village, New York und West Hollywood in Los Angeles verkauft.

Schwule und Männlichkeit

In den späten 1960er Jahren hatten Lesben und Schwule in der ganzen westlichen Welt begonnen, ihre Position als Bürger zweiter Klasse und ihr Klischee als verweichlichte Königinnen oder Schwulendeiche in Frage zu stellen. Zusammen mit den Forderungen nach Gleichberechtigung und Anerkennung begannen Lesben und Schwule, sich mit ihrem Aussehen zu befassen. Es gab schon immer schwule Männer, die sich konventionell maskulin kleideten, aber in den frühen 1970er Jahren ließen sich Schwule in New York und San Francisco von den Inbegriffen amerikanischer Männlichkeit inspirieren – dem Cowboy, dem Holzfäller, dem Bauarbeiter – neuer Kleidungsstil. Die Klone, wie sie genannt wurden, übernahmen die maskulinsten Kleidungsbedeutungen, die sie finden konnten – Arbeitsstiefel, enge Levis, karierte Hemden, kurze Haarschnitte und Schnurrbärte. Ihre Kleidung wurde ausgewählt, um die Konturen des männlichen Körpers zu zeigen und zu feiern.

Einige Klone entwickelten ihren sexuellen Geschmack auch durch Experimente mit Sadomasochismus. Folglich nahmen sie manchmal ein ledernes Aussehen und einen Lebensstil an, der eine strenge Kodifizierung der Kleidung und ein neues System von Signifikanten beinhaltete, vor allem farbige Taschentücher in der Gesäßtasche, die besondere sexuelle Interessen spezifizierten. Das hypermaskuline Image war auch nach dem angeblichen Tod des Klons in den späten 1980er Jahren weiterhin wichtig, als das Image mit einer älteren Generation schwuler Männer vor AIDS in Verbindung gebracht wurde. Schwule Männer haben ihr maskulines Aussehen interpretiert und demonstriert, indem sie muskulöse 'Fitness'-Körper und Kleidung zelebrierten, die diese Körper zur Geltung brachte, sowie durch das Aufkommen anderer maskuliner subkultureller Stile wie kahlgeschorener, Stiefel und Hosenträger, aber nicht zwangsläufig rassistischer Skinhead.

Lesbischer Stil nach der Befreiung

Androgyne Person

Das Aufkommen der Frauen- und der Schwulenrechtsbewegung führte zu einer Infragestellung der stereotypen Kleidungswahl, die Lesben früher zur Verfügung standen. Ab den 1950er Jahren waren Hosen für Frauen immer akzeptabler geworden, und in den 1960er Jahren wurde es schwieriger, Lesben anhand des Hosentragens zu identifizieren. Androgynie wurde zu einem Schlüsselwort in der Mode, und dies äußerte sich auf unterschiedliche Weise. Anfangs ging es um einen femininen Look für Männer, aber die radikale Lesben- und Schwulen-Community lehnte dies zugunsten eines maskulineren Looks für Männer und Frauen ab.

Der Aufstieg des radikalen Feminismus führte zu einer Ablehnung der von der Mode erzwungenen Weiblichkeit. Flache Schuhe, ausgebeulte Hosen, unrasierte Beine und geschminkte Gesichter machten ein starkes Statement dafür, sich nicht für Männer zu kleiden. Die radikale feministische Politik in den 1970er Jahren hat dies auf die Spitze getrieben, als ein neues Stereotyp geboren wurde – das der Latzhose tragenden, kurz geschnittenen lesbischen Feministin.

In den 1980er und 1990er Jahren kam es zu einer neuen Diversifizierung der lesbischen Kleidung. Der Zusammenbruch der alten Butch- und Femme-Trennung, die durch Feminismus und Punk eingeleiteten Veränderungen in der Kleidung der Frauen und die zunehmende Sichtbarkeit von Lesben im öffentlichen Leben eröffneten die Debatte darüber, was Lesben tragen könnten und sollten. Eine der bedeutendsten Entwicklungen war das Erscheinen der Lippenstiftlesbe (auch bekannt als Glamour oder Designerdyke). Kleidungsstile signalisierten eine Abkehr vom traditionellen Butch oder radikal-feministischen Stilen und ermöglichten es schwulen Frauen, einen modischen urbanen Look zu entwickeln, der lesbische oder männliche Zeichen mit modischer Damenkleidung kombinierte. Kritiker warfen Lippenstiftlesben jedoch vor, sich hinter einer Maske der Heterosexualität zu verstecken.

Die Modebranche

Der hohe Anteil schwuler Männer, die in kreativen Bereichen der Mode, des Theaters und der Dienstleistungsbranche wie Catering gearbeitet haben, wurde von Historikern wie Ross Higgins gut dokumentiert, deren Studie die Beteiligung schwuler Männer auf allen Ebenen der Mode hervorhob Industrie in Montreal.

Während des zwanzigsten Jahrhunderts waren viele der Top-Couture-Modedesigns schwul, obwohl der soziale Druck sie dazu aufforderte, ihre Sexualität geheim zu halten, wenn nicht gar geheim. Tatsächlich waren viele der größten Namen der Mode des 20. Jahrhunderts schwul oder bisexuell, darunter Persönlichkeiten wie Christian Dior, Cristobal Balenciaga, Yves Saint Laurent, Norman Hartnell, Halston, Rudi Gernreich (einer der Gründungsmitglieder der ersten amerikanischen homophile Organisation, die Mattachine Society), Calvin Klein und Gianni Versace.

Als Designer die Herrenmode von traditionellen Schneidern und Herrenausstattern ablösten, zeigte sich ein neuer schwuler Einfluss. Da schwule Männer oft eher bereit waren, mit neuen Ideen, Stilen und Stoffen in der Kleidung zu experimentieren, begannen Designer wie Jean-Paul Gaultier, sich auf der Straße und in Schwulenclubs nach Ideen für ihre Männerkollektionen umzusehen. Darüber hinaus kauften schwule Männer Kleidung, die von einer schwulen Ästhetik beeinflusst und gestylt war, sodass ihr Geschmack die Mode sowohl auf offensichtliche als auch auf subtile Weise beeinflusste.

Das Aufkommen des neuen Mannes (als Medienikone) in den 1980er Jahren war das Ergebnis der Reaktion der Männer auf die großen gesellschaftlichen Veränderungen, die durch eine zweite Welle des Feminismus verursacht wurden. Infolgedessen wurde es für heterosexuelle Männer akzeptabel, sich für ihr Aussehen, ihre Kleidung und ihre Pflegeprodukte zu interessieren. Neue Zeitschriften, die sich an einen breiteren, heterosexuellen männlichen Verbraucher richten, wurden veröffentlicht, aber auch hier war ein schwuler Einfluss wahrzunehmen. Nicht nur schwule Designer kreierten die Looks, sondern auch schwule Stylisten, Friseure und Fotografen übten einen modischen Einfluss aus. Zum Beispiel Stylist Ray Petri (vorgestellt in Das Gesicht, i-D , und Sand Magazine) griff auf Looks zurück, die er in Schwulenclubs sah, um einen ganz neuen Stil namens Buffalo zu kreieren. Im Buffalo-Stil gekleidete schwarze und weiße, schwule und heterosexuelle Models in einer ungewöhnlichen Mischung aus Elementen wie Radlerhosen, Fliegerjacken, Röcken, Hüten und Stiefeln.

In den frühen 1990er Jahren kam der 'lesbische Chic' in die Modewelt auf. Am deutlichsten manifestierte sich dies in einer Fotoserie in Eitelkeitsmesse 1993, darunter ein Cover mit der lesbischen Sängerin k. d. lang mit Supermodel Cindy Crawford tummeln.

Heutzutage ist es für heterosexuelle Männer völlig akzeptabel, sich für Mode zu interessieren und offensichtliche Verbraucher von Kleidung, Pflegeprodukten und Mode- oder Lifestyle-Magazinen zu sein. Populäre Persönlichkeiten wie der Fußballspieler David Beckham sind begeisterte Verbraucher von Kleidung und erkennen sogar ihre Schuld an dem Einfluss schwuler Männer auf die Mode. In einer Zeit, in der Homosexualität in den Ballungszentren toleriert und weitgehend akzeptiert wird, wird es immer schwieriger, schwule und heterosexuelle Männer sowie Lesben und heterosexuelle Frauen anhand ihrer Kleidung zu unterscheiden. In Anerkennung dessen stellt Elizabeth Wilson die folgende Frage: Während des queeren Jahrhunderts haben wir unsere abweichenden Wünsche in Kleidung, Maskerade, Verkleidung verkleidet und offenbart. Jetzt, wo alle in einer postmodernen Welt angekommen sind, was müssen wir tun, um einen neuen [Schwulen- und] Dyke-Stil zu erfinden?' (Wilson, 177)

Siehe auch Mode und Identität; Mode Geschlecht und Kleid.

Literaturverzeichnis

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